Die Liebesfilme des Herrn Hitchcock (Vierter Teil)

Ein Beitrag von Goetz, abgelegt unter Kino, Podcast, Tausendundein Film am 19.September 2010

Tausendundein Film. Götz bringt uns besondere Filme nah – tausendundeinmal. Und pünktlich zu Alfred Hitchcocks 111. Geburtstag startete Götz seine neue Serie. Heute beendet Götz den Vierteiler rund um Hitchcocks “Suspicion” und wir freuen uns schon auf die nächste Folge von “TausendundeinFilm”.

In den ersten zehn Jahren, die Hitchcock in Hollywood verbringt, kehrt er immer wieder ins britische Milieu zurück. Der erste Film für David O. Selznick, in dessen Studios, wo kurz zuvor „Vom Winde verweht“ entstanden war, gedreht, ist sogar noch, wie Hitchcock selbst sagt, ein britischer Film. Würde man aus „Rebecca“ die schauerromantischen, melodramatischen Elemente, den vermeintlichen Mord und Mrs. Danvers streichen, bliebe immer noch eine Liebesgeschichte von stupender psychologischer Wahrhaftigkeit, die auf eigenen Füßen stehen könnte, was vor allem auch den beiden Hauptdarstellern Laurence Olivier und Joan Fontaine zu verdanken ist, die völlig eins sind mit ihren Charakteren. Ist uns das nicht sehr vertraut, was die Liebe der beiden strapaziert? Lassen wir die Fallhöhe vom reichen Adligen zur armen Waise, die sich als Gesellschafterin von einem weiblichen „Drachen“ schikanieren lassen muss, beiseite, diesen immensen sozialen Unterschied. Es braucht ihn nicht, um zwischen Liebenden dieses Problem entstehen zu lassen, das hier vorliegt: sie liebt ihn, er liebt sie, doch sie glaubt ihm nicht, dass er sie so liebt wie sie ist.

Das ist die Story von „Rebecca“: Maxim de Winter liebt weiterlesen

---

Die Liebesfilme des Herrn Hitchcock (Dritter Teil)

Ein Beitrag von Goetz, abgelegt unter Kino, Podcast, Tausendundein Film am 5.September 2010

Tausendundein Film. Götz bringt uns besondere Filme nah – tausendundeinmal. Und pünktlich zu Alfred Hitchcocks 111. Geburtstag startete Götz seine neue Serie mit Hitchcocks “Suspicion” (Verdacht). Heute geht es weiter mit dem dritten von vier Teilen:

Immer leben Hitchcocks Filme von dem, was sie zeigen, und erst in zweiter Linie vom Dialog. Der Stummfilm hatte ihn geprägt und er hat dessen Schule nie vergessen.

Als der Nazi Sebastian (Claude Rains) in „Berüchtigt“ („Notorious“) wie ein betröppelter Schuljunge an seiner Mutter Bett sitzt und ihr gestehen muss, dass er eine amerikanische Spionin geheiratet hat, lässt diese ein Feuerzeug aufschnappen wie ein Klappmesser; und noch bevor beide darüber sprechen, dass sie Alicia (Ingrid Bergman) nun ermorden müssen, machen diese Geste und die Art, in der sich die Mutter eine Zigarette zwischen die schmalen Lippen steckt, klar, dass Alicia fortan in tödlicher Gefahr ist.

Und selbst aus dem vergleichsweise Dialog-lastigen „Verdacht“ muss man gar nicht das berühmte Glas Milch mit der Lampe anführen, sondern fände in fast jeder anderen Szene Beispiele dafür, wie Hitchcocks Filme ohne Worte funktionieren, wie viel er auch der Mimik, den Blicken der von ihm geführten Schauspieler und dem Aufbau der Bilder überlässt. Immer erzählen die Bilder schon alles Entscheidende und die Tonspur dient nur der Bekräftigung oder fügt dem Gezeigten noch die Qualität eines brillanten, geistreichen Dialogs hinzu.

Im Interview mit Truffaut sagte Hitchcock, die in England gedrehten Filme seines Werks seien zu leichtgewichtig inszeniert, die amerikanischen oft zu schwerfällig, eine richtige Beobachtung, wobei ich mich oft für die leichte, geradezu kindlich sich mit den Möglichkeiten des Kinos austobende Art der englischen Filme Hitchcocks mehr zu begeistern vermag als etwa für die allbekannten Klassiker wie „Das Fenster zum Hof“, „Psycho“ oder „Die Vögel“, denen bei aller unbestreitbarer Meisterschaft jener naive, experimentelle Touch und die formale Eleganz fehlen, die das Merkmal der englischen Filme sind.

Sie verbinden märchenhafte Elemente mit Wirklichkeitssinn, während das Hollywood-Werk – vor allem in den konservativen fünfziger Jahren – sich manchmal nicht ganz von den Klischees und den Standards der Studio-Ästhetik zu befreien vermag. Mit anderen Worten: eine gewisse Amateurhaftigkeit der britischen Produktionen kam dem künstlerischen Enthusiasmus und der erfindungsreichen Phantasie Hitchcocks im Grunde mehr entgegen, als die hohe Professionalität Hollywoods. In England sei er ein begabter Amateur gewesen, in Hollywood ein Profi, so Hitchcock selbst. Doch haben die englischen Filme eine Frische, die den amerikanischen mitunter fehlt.

Ich mag mich nicht allzu oft den düsteren Sujets von „Psycho“ oder „Die Vögel“ aussetzen, während ich mich an „Die Neununddreißig Stufen“ nicht satt sehen kann. Hitchcocks englische Ära, das ist der Regisseur als kleiner Junge, der spielt, der mehr Ideen hat, als in einen Film passen, der Attraktion an Attraktion reiht und dem Zuschauer einfach ein Heidenvergnügen bereiten will. Der Geist dieser Filme atmet dann gerade auch dort, wo sie stümperhaft und unbeholfen erscheinen, etwa wenn Miniaturmodelle verwendet werden, die wie Spielzeuge wirken.

Gerade in den oftmals komödiantisch angelegten Mann-und-Frau-Szenen zeigt sich Hitchcock schon ganz auf der Höhe seiner Kunst. Einmalig subtil und vieldeutig etwa die Erotik jener Sequenz in „Die 39 Stufen“, in der das unfreiwillig mit Handschellen aneinander gekettete Paar die Nacht in einem Landgasthaus verbringen muss, wo es sich als Liebespaar ausgibt. Madeleine Carrol, die sich gegen dieses täuschende Spiel wehrt, will ihre im schottischen Regen nass gewordenen Nylon-Strümpfe ausziehen, die abzustreifen ihr allerdings nicht leicht fällt, da an ihrer einen Hand ja diejenige Robert Donats hängt und beim Abstreifen der Strümpfe an ihrem Bein mit hinab gleitet.

Und was die Action  angeht, so vermögen alle Emmerich-Katastrophen und Spielberg-Achterbahnfahrten nicht das Finale von „Number Seventeen“ von 1932 zu toppen, in der ein außer Kontrolle geratener Zug (eine Modelleisenbahn) auf eine Fähre am Hafen von Dover zurast. weiterlesen

---

Die Liebesfilme des Herrn Hitchcock (Zweiter Teil)

Ein Beitrag von Goetz, abgelegt unter Kino, Podcast, Tausendundein Film am 22.August 2010

Tausendundein Film. Götz bringt uns besondere Filme nah – tausendundeinmal. Und pünktlich zu Alfred Hitchcocks 111. Geburtstag startete Götz seine neue Serie mit Hitchcocks “Suspicion” (Verdacht). Heute geht es weiter mit dem zweiten von vier Teilen:

Nun aber endlich zu dem Werk, das ich ins Zentrum dieser Betrachtung rücken möchte. Hitchcocks unübertrefflicher Sinn für die Möglichkeiten des Kinos entfaltet in „Suspicion“ („Verdacht“) seine größte Wirkung.

Der Film erzählt, wie ein Bruder Leichtfuß, der dem so genannten Ernst des Lebens aus dem Weg geht, von diesem Ernst in einem solchen Maße eingeholt wird, dass er sogar mit dem Gedanken spielt, sich das Leben zu nehmen. Anfangs fährt er ohne Fahrkarte Zug und weiß sich, als der Schaffner kommt, nach dem Motto „Frechheit siegt“ erfolgreich zu behaupten, am Ende des Films wird er des Mordes und der Absicht zu einem weiteren Mord verdächtigt.

Cary Grant ist dieser sorglose Filou, ein Playboy, der sich mit Stil und Charme, aber ohne Geld in feinsten britischen Kreisen bewegt, in den Tag hinein und auf großem Fuß lebt und sich in ein „Mauerblümchen“ verliebt. Damit beginnt der Film. Joan Fontaine ist Lina, eine scheue, etwas linkische junge Frau, die wohlbehütet im Landhaus ihrer Eltern lebt und für die Johnnie Aysgarth (Grant) alles das verkörpert, was in ihrem Leben bisher fehlte. Entsprechend rasch erliegt sie seinem forschen Werben.

Der Film spielt geschickt mit den Vorurteilen des Zuschauers, der gegenüber Johnnie von Beginn an jenes Misstrauen hegt, das wie ein schleichend wirkendes Gift nach und nach Linas Liebe zersetzt und in Angst verwandelt. Denn der Film erzählt konsequent aus Linas Sicht, wir erleben alles mit ihrer Wahrnehmung. Wie die Macht der Eltern, vor allem des autoritären Vaters, der in Johnnie von Beginn an den Mitgiftjäger sah, in Linas Empfinden fortwirkt, sie nie frei werden lässt, das ist der Subtext des Dramas. Denn gegen den Willen des Vaters hat Lina Johnnie heimlich geheiratet.

Erst nach den Flitterwochen erfährt sie, dass Johnnie keinen Penny Geld besitzt. Das Geld für die Flitterwochen hatte er sich geliehen. Das Haus nebst Dienstmädchen – ebenfalls alles auf Pump. Verfügt Johnnie über Geld so verspielt er es sogleich an der Pferderennbahn. „Mutziputzi. Ich habe noch nie im Leben Geld gehabt“, gesteht er einmal ganz offen und heiter-unverfroren seiner Lina ein. Aber dennoch – Johnnie liebt Lina wirklich.

Grants finsterem, augenfunkelnden Spiel und Joan Fontaines zunächst müde-amüsiert-nachsichtiger, später ängstlich-zweifelnder Mimik zu folgen, das allein macht den Film zum Genuss. Grant taucht manchmal lautlos und bedrohlich auf, steht einfach da, so wie die gruslige Mrs. Danvers im fast gleichzeitig gedrehten „Rebecca“.

Die Ironie von Hitchcocks Erzählung ist: Lina untergräbt mit ihren Verdächtigungen die Liebe der beiden viel mehr als Johnnie mit seinem losen Lebenswandel. Und er wird immer dann giftig zu ihr, wenn er spürt, dass sie ihm misstraut.

Sie wird nämlich mehr und mehr von ihrer Einbildungskraft überwältigt. Sie malt sich aus, dass Johnnie seinen Freund Beaky ermorden will. Beide planen zusammen ein Immobiliengeschäft, bei dem Beaky als Geldgeber fungieren soll. Das zufällig beim Scrabble von Lina gelegte Wort „Murder“, das Foto einer Steilküste, die Information, dass Johnnie am folgenden Morgen mit Beaky dorthin fahren will und vor Linas innerem Auge taucht eine Mordszene auf, eine Vorstellung, die sie nicht mehr loslässt. Sie fährt am nächsten Tag allein hinaus an die Küste.

Dann wird ihre Angst von Hitchcock in großartiger Weise als Einbildung entlarvt. Lina kommt nach Hause, betritt das Haus, alles still, düster, sie hört ein Pfeifen. Langsam nähert sie sich der Wohnzimmertür und findet die Freunde in Eintracht, sorglos, voller Muße vor. Sie wollen gerade einen Plattenspieler in Gang bringen. Jede Bewegung der Schauspieler stimmt, wie Lina in ihrem Wahn, der sich langsam lichtet wie ein Nebel, als erwache sie aus einer Betäubung, den Raum betritt, überwältigt von ihrer Erleichterung, wie Grant sich kurz und arglos von dem Hocker vor dem Plattenspieler erhebt, um Lina zu begrüßen. Er steht nicht auf, lupft nur kurz den Hintern vom Sitz. Der Panik Linas, die aus der Gegenwart in ihre Schreckensphantasien gefallen ist, korrespondiert die vollkommene Gegenwärtigkeit von Johnnie. Das sind die nur scheinbar nebensächlichen, tatsächlich aber wichtigen Details, die Hitchcocks Filme auszeichnen, ihre Wahrhaftigkeit ausmachen.

Johnnie verliert im Laufe des Films seine Leichtfüßigkeit, Lina ihre Naivität. Zu Beginn des Films sind sie beide in ihrer Art noch Kinder, Johnnie fühlt sich für nichts verantwortlich, weiterlesen

---

Die Liebesfilme des Herrn Hitchcock (Erster Teil)

Ein Beitrag von Goetz, abgelegt unter Kino, Podcast, Tausendundein Film am 13.August 2010

Eine neue Reihe bei SchönerDenken – we proudly present: Tausendundein Film. Götz bringt uns besondere Filme nah – tausendundeinmal. Und pünktlich zu Alfred Hitchcocks 111. Geburtstag startet Götz seine neue Serie heute mit Hitchcocks “Suspicion” (Verdacht).

„His name was Alfred Hitchcock. He made love stories.”

Kaum ein Filmregisseur erzählt uns so viel und mit solcher Genauigkeit von den Beziehungen zwischen Mann und Frau wie Alfred Hitchcock. Man könnte durchaus soweit gehen zu sagen, dass die Elemente des Thrillers, der kriminalistische Plot, häufig nur wie ein Vorwand erscheinen, den spannenden Rahmen abgeben, um in vielfältiger Weise von den Schwierigkeiten der Paare und den Abgründen der Familien erzählen zu können.

Es gibt keinen besseren Film über die Ehe als Hitchcocks „Verdacht“ („Suspicion“) aus dem Jahr 1941. In ihm geht es um Vertrauen und Misstrauen, um die Frage also, was eine Beziehung erhält und was sie zerstören kann. Dies ist auch das Thema von zwei anderen Hitchcock-Filmen, in denen Ehen, die von einem düsteren Geheimnis überschattet sind, im Mittelpunkt stehen: „Under Capricorn“ (1949) und „Rebecca“ (1940). In allen drei Filmen sehen wir Paare in schwere Krisen geraten und alle drei Filme stellen den Charakter der Beziehungen – jeweils mit Hilfe der Präsenz herausragender Schauspieler – mit einem Wissen um die menschliche Natur dar, an die nur wenige explizit als Ehe- oder Liebesdramen konzipierte Filme heranreichen. Hitchcock war der Meister des Suspense, aber er war auch der Meister der beiläufigen Psychologie.

Liebesgeschichten waren für ihn niemals einfach bloß eine den Rezepten des populären Kinos geschuldete Zutat, sondern ein zentraler Punkt seines analytischen Interesses als Künstler, gleichberechtigt neben anderen oft genannten Hitchcock-Motiven wie der Angst, der Not eines Unschuldigen unter Verdacht. Den Paarbeziehungen galt immer seine ganze Aufmerksamkeit.

Hitchcocks letzter Stummfilm, „The Manxman“ (Der Mann von der Insel Man), 1928 gedreht, erzählt eine Dreiecks-Liebesgeschichte und sonst nichts: keine Thrillerelemente, die Gerichtsverhandlung am Ende des Films ist die einzige aus dem Hitchcock-Kosmos vertraute Szene. Eine grobe Skizze der Handlung: Pete und Philip lieben Kate, Kate flirtet mit Pete, liebt aber nur Philip.

Der Fischer Pete und der Rechtsanwalt Philip sind von Kindheit an Freunde. Philip hält sogar für seinen Freund um Kates Hand an. Deren Vater lehnt ab. Pete verlässt die Insel, will in Übersee sein Glück machen und reich zurückkehren. Philip soll auf Kate aufpassen. Der Freund ist weg. Kate und Philip kommen sich näher. Pete kehrt tatsächlich als reicher Mann zurück, nun willigt der Vater in eine Hochzeit ein. Kate ist von Philip schwanger, muss nun aber Pete heiraten. Pete glaubt es sei sein Kind. Kate unternimmt einen Selbstmordversuch, um der privaten Hölle zu entkommen. Sie wird gerettet und angeklagt. Philip ist in dem Verfahren der Richter.

Vielleicht ist „The Manxman“ sogar einer der reinsten Hitchcock-Filme, ein Film wie ein ausgebleichtes Stück Holz, Walbein aus dem Gerippe seines Werks. Von Hitchcock selbst wurde  „The Lodger“ von 1926 – eine Adaption des Jack-the-Ripper-Stoffs – als erster „echter Hitchcockfilm“ angesehen, doch „The Manxman“ ist der erste makellose künstlerische Höhepunkt in seinem Werk. Der Eloge von Hans Schifferle in dem Band „film 7: Alfred Hitchcock“ (Hg.: Lars-Olav Beier und Georg Seeßlen) ist nichts hinzuzufügen:

“Ein dichtes, komplexes Werk ist Hitchcock hier gelungen, ein Filmgedicht beinahe. „The Manxman“ ist ein subtiles und sublimes Melo: Alles hat seine Bedeutung, alles seine Funktion. Und doch liegt in jeder Einstellung auch ein Geheimnis, in jeder Konstellation finden sich verborgene Emotionen.”

In „Blackmail“, seinem ersten Tonfilm führt Hitchcock dann die beiden Grundpfeiler seines Schaffens erstmals perfekt zusammen: Lovestory und Mordgeschichte. Anny Ondra, die spätere Ehefrau des Boxidols Max Schmeling, spielt wie schon in „The Manxman“ die weibliche Hauptrolle.

Zunächst nun noch ein Sprung zu Hitchcocks Hollywoodepoche, die gut zehn Jahre später beginnt: weiterlesen

---

Neu: “Tausendundein Buch”
Behaust in einer unbehausten Welt

Ein Beitrag von Goetz, abgelegt unter Buch, Podcast, Tausendundein Buch am 19.Mai 2010

Eine neue Reihe bei SchönerDenken: Götz bringt uns besondere Literatur nah – tausendundeinmal.

Erstes Buch: Gerhard Meier “Baur und Bindschädler – Amrainer Tetralogie”

Gerhard Meiers “Amrainer Tetralogie” handelt von der großen Geschichte des Alltags. Wie nur wenige andere Autoren lehrt sein Erzählen ein schönes Denken. Meiersches Schreiben ist ein Schreiben der Gleichwertigkeit. Alles ist gleichwertig: die Erscheinungen der Natur im Wandel von Wetter und Jahreszeiten, die Schicksale der Bäcker, Schuhmacher, Malermeister, Uhrmacher, Viehhändler, der lebenden und toten Bewohner von Amrain, jenes fiktiven Ortes am Rand des Schweizer Jura, mit dessen Erfindung Meier seinen Geburtsort Niederbipp liebevoll transzendierte:

“Amrain war das Zentrum der Welt. Ich hatte es festgestellt, als ich an einem Morgen und sonntags zur Post ging, verhältnismäßig früh am Tag also, und Anfang November.”

Gleichwertig sind die Kirschbäume, Astern und Glyzinien, der Efeu und der wilde Wein mit den Bezugspunkten in der Literatur- und Kunstgeschichte, mit Tolstois „Krieg und Frieden“, Prousts „Combray“ und Caspar David Friedrichs Bild „Eiche im Schnee“, gleichwertig aber auch mit den vorstädtischen Gewerbegebieten und dem allgegenwärtigen Automobil- und Eisenbahnverkehr. Im Provinziellen spiegelt sich die Welt: bei Faulkner ist es ein begrenztes „County“ im amerikanischen Süden, bei Meier eben Amrain.

Auf seinem gelassen aufgerollten Band des Erzählens kehrt alles wieder und wieder und hinter allem können sich Zeit und Raum entfalten, öffnen sich Fenster in die Vergangenheit oder an andere Orte, zum Beispiel wenn die freien Assoziationen Bezug nehmen auf die Indianer, nicht auf deren historische Wirklichkeit, sondern auf den Mythos, wie er von Cooper, Karl May und den Western des Kinos geschaffen wurde, dem Meier in fast kindlicher Weise anzuhängen scheint. Wichtig auch der Imaginationsraum „Russland“, und zwar jenes Russland, dass von Tolstoi, Puschkin und Tschechow überliefert wurde. Einer der vier Bände der Tetralogie lässt das Reden und Nachsinnen unter anderem um Napoleons Russland-Feldzug und Tolstois Schilderung der Schlacht von Borodino kreisen. „Borodino“ ist auch der Titel des Bandes. Die anderen Bände tragen die Titel: „Toteninsel“, „Land der Winde“ und „Ballade vom Schneien“.

Wie aber ist denn nun der Gang der Dinge in diesen jeweils recht kurzen, kaum mehr als 100 Seiten langen Romanen. Alles wird uns vermittelt durch Baur und Bindschädler, an deren Begegnungen wir teilnehmen. weiterlesen

---

Wellenmänner auf verlorenem Posten (2)
Akira Kurosawas „Die Sieben Samurai“

Ein Beitrag von Goetz, abgelegt unter Big in Japan, Japan, Kino am 24.April 2010

BIG IN JAPAN: SchönerDenken berichtete vom Filmfestival “Nippon Connection” und widmet auch sonst den ganzen April der japanischen Kultur. Götz wimdet sich daher in seinem zweiteiligen Essay dem elegischen Meisterwerk “Die Sieben Samurai” von Akira Kurosawa.

II.

Fast eine Stunde lang nimmt sich Kurosawa Zeit, um die sieben Samurai zusammenfinden zu lassen. Allen fehlt eine große Aufgabe: keiner misst sich mehr mit seinesgleichen. Am augenfälligsten wird dies bei Heihachi, der Holzscheite spaltet und dabei wie bei einem rituellen Kampfsport Schreie ausstößt, als würde er die Köpfe seiner Feinde treffen. Er vermag immerhin sein Schicksal mit Selbstironie zu tragen.

Der zweite Teil des Films zeigt die Vorbereitungen auf die Konfrontation mit den Banditen. Die Samurai lassen das Dorf befestigen und bilden die Bauern mühevoll für den Kampf aus. Viele Bauern sind misstrauisch. Die Fremdheit zwischen den Bauern und den Kriegern, das wechselseitige Nichtverstehen der inneren Verfassung, der Lebenswirklichkeit des anderen scheinen unüberbrückbar zu sein. Der Abgrund zwischen den beiden sozialen Klassen wird selten überbrückt: es gelingt nicht einmal der Liebe (die Beziehung des jüngsten Samurai zu einem Dorfmädchen droht an der sozialen Kluft zu scheitern: „Ich wollte, ich wäre die Tochter eines Samurai“, sagt Shino, deren Vater sie schlägt, als sie sich mit Katsushiro einlässt. ) Immer wieder scheitern die Samurai mit ihrer Sensibilität und ihrem Einfühlungsvermögen am Starrsinn und der Verstocktheit der Bauern.

Der Kampf wird auch von Seiten der Samurai gnadenlos geführt. Einmal schleicht sich ein Trupp von ihnen im Morgengrauen an das Lager der schlafenden Räuber an und zündet deren Haus an. Als die Räuber und ihre Frauen in Panik nackt aus dem qualmenden Gebäude stürzen, warten die Samurai am Ausgang und schlagen mit ihren Schwertern wahllos auf sie ein.
Den völlig sinnlosen Angriff auf das Räuberlager müssen die Samurai mit dem Tod Heihachis bezahlen und sie haben mit der Aktion die Räuber erst recht aufgestachelt. Sie haben selbst mit ihrem Ehrenkodex gebrochen und sich auf einen schmutzigen Kampf eingelassen, der immer unerbittlicher wird.

Auch unter den Banditen sind ehemalige Samurai, die in den Wirren der japanischen Bürgerkriege am Ende des 16. Jahrhunderts heimatlos geworden sind, da die alte Gesellschaftsordnung zerbrochen ist. Sie sind selbst Opfer der Zeitumstände und Kurosawas Inszenierung ist dem Western-Remake weiterlesen

---

Wellenmänner auf verlorenem Posten (1)
Akira Kurosawas „Die Sieben Samurai“

Ein Beitrag von Goetz, abgelegt unter Big in Japan, Japan, Kino am 23.April 2010

BIG IN JAPAN: SchönerDenken berichtete vom Filmfestival “Nippon Connection” und widmet auch sonst den ganzen April der japanischen Kultur. Götz wimdet sich daher in seinem zweiteiligen Essay dem elegischen Meisterwerk “Die Sieben Samurai” von Akira Kurosawa.

I.

Filme, die einen solchen Grad an emotionaler und visueller Intensität erreichen wie „Shichinin no samurai“ (dt. „Die Sieben Samurai“) sind selten. Neben Akira Kurosawas mehr als 50 Jahre altem Meisterwerk erscheint vieles, was gegenwärtig in den Kinos läuft, lächerlich und belanglos. Welche Wirkungsmacht doch ein Film haben kann, wenn einer wie Kurosawa hinter der Kamera steht.

Mit dem bis dahin teuersten japanischen Film war er 1954 zugleich einer der Mitbegründer eines neuen Genres im Kino: des Actionfilms. Doch „Die Sieben Samurai“ ist weit davon entfernt von dem, was man inzwischen unter einem Actionfilm versteht, wenn auch die entsprechenden Sequenzen selbst heutigen Sehgewohnheiten genügen (sogar die Zeitlupe setzt Kurosawa ein, wenn tödlich Getroffene zu Boden stürzen). Man spürt in diesem Werk einen kompromisslosen künstlerischen Willen, einen Anspruch an die Form, eine Ernsthaftigkeit, wie sie uns inzwischen im Kino leider kaum noch begegnet.

Gewiss, Kurosawas Kino verkündet vielleicht manchmal etwas zu demonstrativ: Ich bin Kunst, ich bin bedeutungsvoll, ich bin groß. Das mag ihm nicht unbedingt die Freundschaft jener eingetragen haben, die im Geiste der Nouvelle Vague eine unaufdringliche Klarheit und Beiläufigkeit der Inszenierung schätzen, Filme, die nicht moralisch und symbolisch befrachtet sind, losgelöst von den Werken der großen Literatur oder allenfalls in spielerischer Weise deren Bausteine nutzend.

Schön ist der Film allein schon durch seine realistische Evokation einer uns fremden Zeit und Kultur. Kurosawa schafft eine mythisch-poetische Wirklichkeit, wie es sonst im Kino nur weiterlesen

---

Salinger: “Der Mann, der stets in Kuchennähe saß”

Ein Beitrag von Goetz, abgelegt unter Buch am 15.Februar 2010

Götz über Salinger, Scheinriesen, Leuchttürme und Kuchen

Wie Pech und Schwefel haben sie offenbar in Cornish/New Hampshire zusammengehalten, um J.D. Salinger darin zu unterstützen, zum berühmtesten Unsichtbaren der Literaturgeschichte zu werden. Nun, nachdem er mit 91 Jahren gestorben ist, ist die Lust zu plaudern umso größer. Den ausgeschwärmten Reportern haben sie erzählt, dass „Jerry“ im Dorf  bestens integriert war: Er „war einer von uns“, wird die Bibliothekarin zitiert. Die Einkäufe habe der Schriftsteller selbst erledigt und so gut wie nie habe er beim Roastbeef-Dinner der Kirchengemeinde im nahen Hartland gefehlt. Salinger sei immer an einem der Tische in der Nähe der frisch gebackenen Kuchen zu finden gewesen.

Die „Süddeutsche Zeitung“ hat daraus in ihrem allzeit grandiosen „Streiflicht“ in unnachahmlicher Weise den Schluss gezogen, dass Salinger also kein Grantler und Eremit war, wie es jahrzehntelang kolportiert wurde, sondern „der Mann, der stets in Kuchennähe saß“. Was aber auf den ersten Blick das klare Wasser der Legenden mit Thermoskannenkaffee zu trüben scheint, trägt auf den zweiten Blick erst recht dazu bei, Salinger zu den großen „Heiligen“ der amerikanischen Kultur zu gesellen, zu Abraham Lincoln oder Mark Twain.

Schon John Ford hat in seinem Film „Der junge Mr. Lincoln“ das Kuchenbuffet dazu benutzt, um am Mythos des volksnahen großen Mannes zu meißeln. Henry Fonda als Lincoln wird da zum Kuchentester auserkoren und soll entscheiden, welcher der backenden Damen im Dorf denn der erste Preis gebührt. In jeder Hand ein riesiges Stück Kuchen, wechselweise genießerisch hineinbeißend, weiterlesen

---